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전통과 고전예술의 대명사 메트가 현대미술에 뛰어들었다. 메트는 1년 반의 준비 기간을 거쳐 오픈한 분관 메트 브로이어를 통해 앞으로 20세기에서 21세기에 이르는 근현대미술 관련 전시, 퍼포먼스, 아티스트 커미션, 레지던시, 교육 프로그램 등에 집중하겠다고 일찌감치 밝혔다. 메트의 이 같은 선언은 과연 현대미술계에 어떤 반향을 가져올까? 그런 메트 브로이어가 야심차게 준비한 2개의 개관전시 중 하나인 <Unfinished>전은, 르네상스 시대부터 현재에 이르기까지 시대를 통틀어 제목 그대로 미완성인 작품을 보여준 자리였다. 어쩔 수 없는 사정으로 인해 미완성으로 남은, 작가가 미완성으로 남기기를 의도한, 혹은 마치 미완성처럼 보이는 작품을 한자리에 모아, ‘미완성’이라는 개념과 영역을 과연 어디까지 확장할 수 있는지 탐구하고자 한 것.

Adolph Menzel <Altar in a Baroque Church> 

ca. 1880-1890 Oil and blue pencil on oak 

19 5/8×24 in.(50×61cm) Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie

무려 197점에 이르는 작품을 통해 좀처럼 한 자리에서 만나기 어려웠던 이름을 동시에 포괄한 이번 전시는 얀 반 에이크(Jan van Eyck)의 1437년 작품 <Saint Barbara> 부터 폴 세잔(Paul Cézanne)과 앙리 마티스(Henri Matisse) 등을 거쳐 앤디 워홀(Andy Warhol), 재스퍼 존스(Jasper Johns), 브루스 나우만(Bruce Nauman), 루이스 부르주아(Louise Bourgeois), 잭슨 폴록(Jackson Pollock) 등까지 포함하며 광범위한 시대를 넘나들었다. 또한, 비디오, 회화, 드로잉, 설치, 조각 등을 두루 선보이며 매체와 장르를 총체적으로 섭렵했다. 메트의 소장품이 전체작품의 40%를 차지했고, 미완성임에도 웅장함을 뽐내는 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci), 렘브란트(Rembrandt Harmensz) 등 유럽 각국에서 대여한 국보급 예술품을 모은 블록버스터 전시회였다. 시각예술이 미완성에 관한 정의와 분류를 논의한지는 수세기가 흘렀지만, ‘완성’이라는 것은 과연 누가 판단하고 결론 내릴 수 있으며 어느 지점에서 결정되는가? 밀도 높은 작품들로 알려진 대가 미켈란젤로(Michelangelo Buonarroti)와 다빈치도 수많은 작품을 미완성으로 남겼다. 의도적으로 마무리하지 않았던 프로젝트도 있고, 후원자나 고용인의 요구에 따라 그만둬야 한 적도 있다. 이들 작품은 대부분 작가가 일부러 미완성으로 보이도록 의도한 ‘논 피니토(Non Finito)’라는 개념으로 분류한다. 이는 르네상스 시대 미켈란젤로의 작품에 관해 조르조 바사리(Giorgio Vasari)가 붙인 용어로, 티치아노(Tiziano Vecellio), 루벤스(Peter Paul Rubens) 등의 작품에서 찾을 수 있다. 

Titian(Tiziano Vecellio) <The Flaying of Marsyas>

 probably 1570s Oil on canvas 86 5/8×80 1/4in.

(220×204cm) Archdiocese Olomouc, 

Archiepiscopal Palace, Picture Gallery, Kromeríz 

전시는 이처럼 미완성의 개념에 대한 깊이 있는 질문을 조금이나마 가벼운 발걸음으로 생각해볼 수 있도록 하는 의도에선지 곳곳에 소소한 재미와 위트를 장착했다. 한눈에도 미완성임을 스스로 밝히는 작품도 있었지만, 넉넉한 여백 처리와 극도로 세밀한 대상 묘사로 완성작이라고 해도 믿을 법한 작품도 함께 선보이며 다양성을 추구했다. 또한, 섹션과 작품마다 ‘작품을 왜 미완성으로 분류했는가’에 관한 친절한 코멘트도 잊지 않았다. 파블로 피카소(Pablo Picasso)가 그의 연인이었던 마리 테레즈 발터(Marie Therese Walter)를 그린 <Woman in a Red Armchair>(1931)는 대중에 처음 공개한 작품으로, 의자와 인물의 손 표현을 제외하고는 얼굴을 거친 붓질로 뭉개버려 표정을 가늠하기 어려웠다. 또한, 초상화의 배경과 얼굴만 완성한 채 몸체는 스케치만 남겨두어 여백을 뚜렷하게 드러낸 루치안 프로이트(Lucian Freud)의 <Self-Portrait Reflection, Fragment>(ca. 1965)와  구스타브 클림트(Gustav Klimt)의 <Posthumous Portrait of Ria Munk II>(1917-1918)처럼 명확한 미완성 작품은 얼굴 부분 묘사만 보더라도 이미 작품의 완성도를 상상할 수 있게끔 했다. 이후 세계 제2차 대전 후 현재 현대미술 블루칩 작가를 집대성한 세계에 다다랐을 때는, 색이 있어야 할 자리를 비워둔 채로 색상 번호를 날 것 그대로 노출한 워홀의 <Do It Yourself(Violin)>(1962)와 케리 제임스 마셜(Kerry James Marshall)의 <Untitled>(2009)도 거장의 비책을 훔쳐보는 듯 흥미로운 광경을 연출했으며, 미완성 필름들 또한 놓쳐서는 안 되는 볼거리였다.