Issue 125, Feb 2017
전시 공간의 비밀
Beyond the White Cube
브라이언 오도허티(Brian O’Doherty)가 1976년 『Artforum』에 기고해 일대 센세이션을 일으켰던 「Inside the White Cube: The Ideology of the Gallery Space」는 전후 미술에서 화이트큐브(white cube)가 예술과 관람객에 미친 영향을 고찰하고 있다. 그에 따르면, 화이트 큐브는 궁극적으로 실제 삶을 지우고 ‘순수한 형태’로서 예술을 신화화하는 공간으로 기능했다. 이는 예술가들에게 갤러리 공간과 경제, 사회적 맥락, 미학 등 시스템의 관계 속에서 자신의 작업을 어떻게 이해하고 풀어내야 하는지 질문을 던졌다. 그가 작업의 맥락에서 자기인식의 일환으로 전시공간의 형태를 검토했다면, 마리 앤 스타니제프스키(Mary Anne Staniszewski)는 『The power of display』(1998)를 통해 ‘전시디자인’ 자체를 미술사가의 시각에서 바라봤다. 그는 200장이 넘는 사진 자료를 바탕으로 20세기 뉴욕 현대미술관(MoMA, The Museum of Modern Art)에서 선보였던 전시를 분석함으로써 디스플레이, 즉 어떤 방식으로 작품을 보여주는지가 미학, 가치, 이데올로기, 정치 등을 만들어낼 수 있는 효과적인 장치임을 증명했다.
사실 아직까지 화이트 큐브의 힘은 건재하다. 하지만 포스트 모더니즘 이후 이 전시 공간의 성역이 점차 무너지는 추세임은 미술에 관심 있는 이라면 어느 정도는 감지할 수 있을 것이다. 큐브, 즉 정방형의 건물 일색에서 탈피해가는 미술관 건축 양식의 변화도 하나의 실마리라고 볼 수 있다. 일례로 건축가 프랭크 로이드 라이트(Frank Lloyd Wright)가 완성한 계단 없는 나선형의 구겐하임 미술관(The Solomon R. Guggenheim Museum)도 독특한 태생적 구조 때문에 일반적인 방식의 전시디자인으로는 효과를 보기 어렵다. 여전히 전통적인 방식으로 일정한 동선을 따라가며 감상하는 전시도 많지만, 미로를 헤매듯 혹은 수수께끼를 풀 듯, 관람객의 노력을 필요로 하는 경우가 있음을 떠올려보자. 기존의 연구가 반증하듯 작품을 설치한다는 것은 단순히 그림을 벽에 걸거나, 조각품을 텅 빈 공간에 놓는 행위에 그치지 않는다.
● 이가진 기자
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